Primero, déjenme decirles que llegué a casa contenta, pues pienso que el mas o el que menos le sacó provecho a la clase, a juzgar por sus projectos.
Segundo, aquí les pongo una referencia a varios videos de MOMA que tocan de alguna manera algunos de los tópicos que tocamos en clase:
http://www.youtube.com/watch?v=EHVBZh5HBgc
http://www.youtube.com/watch?v=6gmP4nk0EOE
y, vean el trabajo de Swoon, una grafitera y pintora clasica.
Gracias por todos hacer un esfuerzo y no dejar caer la clase sin importar las situaciones personales por las cuales pasaron.
la Profe.
Thursday, May 31, 2007
Tuesday, May 29, 2007
Defendiendo su pieza....
Tienen que venir preparados a defender su pieza.
El orden de presentacion es:
1. instalan la pieza
2. hablan de su proceso, las vertientes artisticas que informaron su investigacion
3. responden preguntas de los compañeros
4. Defienden su pieza a la luz de mis preguntas.
Estudiense las conferencias, lo lineal/no lineal/ espacio T, multi/trans/interdisciplina, conversaciones entre disciplinas,
especializacion, prefiguracion del artista de las verdades cientificas, lo intuitivo, lo razonable, irracionabilidad, cerebro derecho y izquierdo, Apollo, Dyonisio, racional/irracional.
Analisis de la entrada y salida de energia en su pieza, energia histórica, citas visuales, sistema en su pieza (input, throughput, output)
interaccion, contemplacion,
TODO ESTO TIENE QUE ESTAR PRESENTE EN SU PRESENTACION DE LA OBRA, VERBALMENTE. SI ESTUVIERON EN CLASE Y LEYERON LOS BLOGS, NO DEBEN TENER NINGUN PROBLEMA.
La nota final se puede quedar en A o bajar a B dependiendo de como defiendan su pieza de mis preguntas.
Como preparacion, leean sus notas, y los blogs.
Nos vemos el miercoles, sDq.
El orden de presentacion es:
1. instalan la pieza
2. hablan de su proceso, las vertientes artisticas que informaron su investigacion
3. responden preguntas de los compañeros
4. Defienden su pieza a la luz de mis preguntas.
Estudiense las conferencias, lo lineal/no lineal/ espacio T, multi/trans/interdisciplina, conversaciones entre disciplinas,
especializacion, prefiguracion del artista de las verdades cientificas, lo intuitivo, lo razonable, irracionabilidad, cerebro derecho y izquierdo, Apollo, Dyonisio, racional/irracional.
Analisis de la entrada y salida de energia en su pieza, energia histórica, citas visuales, sistema en su pieza (input, throughput, output)
interaccion, contemplacion,
TODO ESTO TIENE QUE ESTAR PRESENTE EN SU PRESENTACION DE LA OBRA, VERBALMENTE. SI ESTUVIERON EN CLASE Y LEYERON LOS BLOGS, NO DEBEN TENER NINGUN PROBLEMA.
La nota final se puede quedar en A o bajar a B dependiendo de como defiendan su pieza de mis preguntas.
Como preparacion, leean sus notas, y los blogs.
Nos vemos el miercoles, sDq.
Arte en el Espacio Publico....
ARTE EN LOS ESPACIOS PÚBLICOS: EL ESPACIO, EL TIEMPO, LA MORAL, LA PASIÓN
Guillaume Désanges
"En el museo puedes decidir lo cerca que te sitúas del arte, pero en la vida no puedes controlar el arte."1
Elise Parré, Sans titre (photographies), 2001.
Th omas Hirsch orn, Musée Précaire Albinet, 2004. © Thomas Hirsch orn / Les Laboratoires d’Aubervilliers
Ben Kinmont, Moveable type no documenta , 2002.
La pregunta básica que plantea todo proyecto artístico en los espacios públicos es: ¿puede existir el arte fuera de los lugares a él consagrados? ¿Puede existir sin perderse, estropearse, desactivarse? Incluso, ¿qué puede ganar o comprometer eventualmente como mutación cualitativa en esta transmisión? En los años sesenta, la inversión en la calle por parte de los artistas respondió en gran medida a una necesidad anti-institucional: el museo, esclerosado en sus modos de exposición, se mostró de repente inadaptado a la explosión de las nuevas formas de la creación. Hoy día, que se sabe que el museo puede absorberlo todo, validarlo todo, para bien o para mal, el arte ya no tiene la necesidad de invertir en los espacios públicos de forma reactiva, sino más bien de manera activa. Es decir, en el caso de los proyectos concretos en los cuales parece necesaria y apremiante una confrontación con lo real. Es bajo este punto de vista que resulta apasionante.
Las siguientes reflexiones, enunciadas voluntariamente de manera afirmativa sin justificación, se articulan en torno a cuatro conceptos esenciales para mí en la aprehensión del arte en los espacios públicos: el espacio, el tiempo, la moral, la pasión2. Estas ideas, a menudo evidentes, me han sido inspiradas por diversas experiencias, ejemplares para mí en los desafíos que implica la presencia de obras de arte específicas en el espacio público:
- Domaines publics: una exposición que organicé en colaboración con Aurélie Voltz y François Piron en 2001 que consistió en invitar a una decena de artistas jóvenes a que interviniesen en las juntas de distrito de París en el seno de los espacios públicos: salas de espera, vestíbulos, oficinas de registro, pasillos, etc. Teniendo en cuenta el carácter arquitectónico, político y simbólico, pero también la absorción de las actividades cotidianas de estos lugares, estas obras específicas actuaron todas ellas de manera diferente en esta zona de contacto directo entre el ideal y la realidad democráticos. (Algunas fotografías que ilustran este texto proceden de un proyecto de Elise Parré, son intervenciones en el seno de la junta del 4º distrito, se han difundido en forma de fotografías editadas; el proyecto se canceló a última hora al rechazarlo el ayuntamiento.)
- Musée Précaire Albinet: obra en el espacio público de Thomas Hirschhorn realizada por invitación de los Laboratoires d’Aubervilliers. Construido al pie de un grupo de inmuebles, el Musée Précaire Albinet presentó durante ocho semanas grandes obras de Duchamp, Malevitch, Mondrian, Dalí, Beuys, Le Corbusier, Warhol y Léger y las estuvo activando todos los días al ritmo de exposiciones, conferencias, debates y talleres de escritura, talleres para niños, salidas y comidas corrientes. El Musée Précaire Albinet, que necesitó 18 meses de preparación, fue construido y ha funcionado con la ayuda de los inquilinos. Las obras procedían de las colecciones del Musée National d’Art Modern y de los Fonds National d’Arte Contemporain.
- La obra de Ben Kinmont: a menudo adopta la forma de encuestas y de recopilaciones de testimonios; la obra del artista americano indaga directamente las posibilidades de prever la acción social como una práctica artística implicando en su reflexión un público local solicitado. Se trata de preguntar con actos, formas y palabras sobre las fronteras confusas que separan la práctica artística de la acción política y social abriéndose fuera del sector estructural del arte y permaneciendo básicamente enfocada sobre los problemas del arte.
1 – EL ESPACIO
- Los espacios públicos no son el espacio del arte.
- No se debe considerar una extensión del museo ni de la galería.
- Por tanto, no son un lugar en donde invertir, habitar y aún menos ocupar. Siempre será un espacio «que compartir».
- Los espacios públicos son básicamente incompatibles con el arte en tanto que espacio de todos frente a la esfera de lo subjetivo (el arte), espacio de la cohabitación de todos contra el de la decisión de uno solo.
- La obra en los espacios públicos siempre va a perturbar una situación existente y a cuestionar su propia identidad en tanto que obra.
- Los espacios públicos son un espacio difícil e ingrato que se resiste.
- Nunca será un territorio neutro ni pasivo.
- Los espacios públicos no son la naturaleza; por tanto, no pueden ser el soporte de un “land-art” urbano, mudo y deshumanizado.
- Los espacios públicos, por su energía de vida, son el mejor lugar y también el peor: el de la incomodidad, lo inesperado y el caos. Nunca se está a gusto. Toda intervención queda fuera de control.
- En los espacios públicos hay que aceptar la posibilidad excepcional de un enfrentamiento inédito, salvaje y espontáneo con arte, aunque también y de forma simultánea, el rechazo, la indiferencia y el desprecio.
- Impugnando el arte en sus fronteras, es un lugar apasionante.
2 – EL TIEMPO
- El tiempo de un proyecto en los espacios públicos no es el tiempo del arte.
- Un proyecto en los espacios públicos debe ser efímero.
- No obstante, exige una atención y un tiempo importante de preparación.
- Los espacios públicos requieren un conocimiento del terreno que no se realiza sobre plano, sino sobre el propio lugar.
- Este tiempo de preparación es ingrato en el sentido de que es necesario, pero nunca suficiente, ya que suceda lo que suceda, la realidad de un proyecto en los espacios públicos va a contradecir toda lógica preestablecida tanto en términos de puesta en marcha como de recepción.
- Puesto que se enfrenta a lo real, un proyecto efímero artístico en los espacios públicos puede tener consecuencias muy prolongadas en el tiempo que son inconmensurables.
- Depende de la experiencia, es una aventura indeterminada: se sabe cómo empieza, pero nunca cómo terminará.
- En el espacio público, la obra es móvil, dinámica, impugnada y, por tanto, está viva.
- En este sentido, el arte en el espacio público siempre es arte de la performance.
- Su fuerza procederá también de su capacidad de resistirse a la desaparición.
3 – LA MORAL
- Las cuestiones éticas de un proyecto en los espacios públicos son más agudas que en el mundo del arte porque intervienen en el espacio de lo real.
- Los métodos empleados y sus consecuencias comprometen la responsabilidad del artista y también la del comisario.
- Llevar a cabo un proyecto en los espacios públicos no debe depender de una oportunidad, sino de una decisión.
- No obstante, semejante proyecto no debe llegar a ser eficiente de otra forma que no sea la artística. Esa es su prioridad.
- Su irreductible lógica artística puede desconcertar eventualmente a la moral social, política o económica de una situación dada.
- Un proyecto interesante siempre cae mal, no se espera jamás y a menudo se debe tolerar.
- A menudo necesita del diálogo y la explicación (pero no la justificación).
- El artista debe saber adaptarse a un contexto sin doblegarse a él, comprenderlo sin responderle.
- Un buen proyecto en los espacios públicos siempre será subversivo, pero esta subversión es doble: frente al arte y frente al espacio público.
- Se trata de preservar la autonomía del arte allí donde todo la contradice.
4 – LA PASIÓN
- Para programar proyectos en los espacios públicos, es necesario recabar artistas que tengan un interés especial por estos lugares.
- Los espacios públicos exigen un compromiso excepcional por parte del artista y del comisario.
- En los espacios públicos el artista no tiene ninguna obligación de obtener resultados, sino una obligación sobre los medios.
- Los espacios públicos no deben ser más que una posibilidad entre otros, una necesidad y una urgencia para la obra.
- Se debe evitar que un proyecto en los espacios públicos tenga el área limitada a un entorno.
- Debe comprometer una relación inédita con sus espectadores, fortuitos o solicitados.
- Un buen proyecto supone una pasión por la experiencia, por la confrontación inmediata y también por el riesgo.
- Un buen proyecto en el espacio público no “funciona” nunca y demanda por tanto una cierta humildad.
- Requiere una lucidez particular, aunque también una determinación que deje poco margen a las dudas.
- Un proyecto en el espacio público puede ser muy simple en sus objetivos, pero sus consecuencias siempre serán extremadamente complejas.
1 De una conversación con un participante en un café. Proyecto Moveable type no documenta, Ben Kinmont, 2002.
2 Por otra parte, ellas se remiten a la famosa fórmula de Charles Baudelaire sobre "la época, la moda, la moral, la pasión".
Guillaume Désanges
"En el museo puedes decidir lo cerca que te sitúas del arte, pero en la vida no puedes controlar el arte."1
Elise Parré, Sans titre (photographies), 2001.
Th omas Hirsch orn, Musée Précaire Albinet, 2004. © Thomas Hirsch orn / Les Laboratoires d’Aubervilliers
Ben Kinmont, Moveable type no documenta , 2002.
La pregunta básica que plantea todo proyecto artístico en los espacios públicos es: ¿puede existir el arte fuera de los lugares a él consagrados? ¿Puede existir sin perderse, estropearse, desactivarse? Incluso, ¿qué puede ganar o comprometer eventualmente como mutación cualitativa en esta transmisión? En los años sesenta, la inversión en la calle por parte de los artistas respondió en gran medida a una necesidad anti-institucional: el museo, esclerosado en sus modos de exposición, se mostró de repente inadaptado a la explosión de las nuevas formas de la creación. Hoy día, que se sabe que el museo puede absorberlo todo, validarlo todo, para bien o para mal, el arte ya no tiene la necesidad de invertir en los espacios públicos de forma reactiva, sino más bien de manera activa. Es decir, en el caso de los proyectos concretos en los cuales parece necesaria y apremiante una confrontación con lo real. Es bajo este punto de vista que resulta apasionante.
Las siguientes reflexiones, enunciadas voluntariamente de manera afirmativa sin justificación, se articulan en torno a cuatro conceptos esenciales para mí en la aprehensión del arte en los espacios públicos: el espacio, el tiempo, la moral, la pasión2. Estas ideas, a menudo evidentes, me han sido inspiradas por diversas experiencias, ejemplares para mí en los desafíos que implica la presencia de obras de arte específicas en el espacio público:
- Domaines publics: una exposición que organicé en colaboración con Aurélie Voltz y François Piron en 2001 que consistió en invitar a una decena de artistas jóvenes a que interviniesen en las juntas de distrito de París en el seno de los espacios públicos: salas de espera, vestíbulos, oficinas de registro, pasillos, etc. Teniendo en cuenta el carácter arquitectónico, político y simbólico, pero también la absorción de las actividades cotidianas de estos lugares, estas obras específicas actuaron todas ellas de manera diferente en esta zona de contacto directo entre el ideal y la realidad democráticos. (Algunas fotografías que ilustran este texto proceden de un proyecto de Elise Parré, son intervenciones en el seno de la junta del 4º distrito, se han difundido en forma de fotografías editadas; el proyecto se canceló a última hora al rechazarlo el ayuntamiento.)
- Musée Précaire Albinet: obra en el espacio público de Thomas Hirschhorn realizada por invitación de los Laboratoires d’Aubervilliers. Construido al pie de un grupo de inmuebles, el Musée Précaire Albinet presentó durante ocho semanas grandes obras de Duchamp, Malevitch, Mondrian, Dalí, Beuys, Le Corbusier, Warhol y Léger y las estuvo activando todos los días al ritmo de exposiciones, conferencias, debates y talleres de escritura, talleres para niños, salidas y comidas corrientes. El Musée Précaire Albinet, que necesitó 18 meses de preparación, fue construido y ha funcionado con la ayuda de los inquilinos. Las obras procedían de las colecciones del Musée National d’Art Modern y de los Fonds National d’Arte Contemporain.
- La obra de Ben Kinmont: a menudo adopta la forma de encuestas y de recopilaciones de testimonios; la obra del artista americano indaga directamente las posibilidades de prever la acción social como una práctica artística implicando en su reflexión un público local solicitado. Se trata de preguntar con actos, formas y palabras sobre las fronteras confusas que separan la práctica artística de la acción política y social abriéndose fuera del sector estructural del arte y permaneciendo básicamente enfocada sobre los problemas del arte.
1 – EL ESPACIO
- Los espacios públicos no son el espacio del arte.
- No se debe considerar una extensión del museo ni de la galería.
- Por tanto, no son un lugar en donde invertir, habitar y aún menos ocupar. Siempre será un espacio «que compartir».
- Los espacios públicos son básicamente incompatibles con el arte en tanto que espacio de todos frente a la esfera de lo subjetivo (el arte), espacio de la cohabitación de todos contra el de la decisión de uno solo.
- La obra en los espacios públicos siempre va a perturbar una situación existente y a cuestionar su propia identidad en tanto que obra.
- Los espacios públicos son un espacio difícil e ingrato que se resiste.
- Nunca será un territorio neutro ni pasivo.
- Los espacios públicos no son la naturaleza; por tanto, no pueden ser el soporte de un “land-art” urbano, mudo y deshumanizado.
- Los espacios públicos, por su energía de vida, son el mejor lugar y también el peor: el de la incomodidad, lo inesperado y el caos. Nunca se está a gusto. Toda intervención queda fuera de control.
- En los espacios públicos hay que aceptar la posibilidad excepcional de un enfrentamiento inédito, salvaje y espontáneo con arte, aunque también y de forma simultánea, el rechazo, la indiferencia y el desprecio.
- Impugnando el arte en sus fronteras, es un lugar apasionante.
2 – EL TIEMPO
- El tiempo de un proyecto en los espacios públicos no es el tiempo del arte.
- Un proyecto en los espacios públicos debe ser efímero.
- No obstante, exige una atención y un tiempo importante de preparación.
- Los espacios públicos requieren un conocimiento del terreno que no se realiza sobre plano, sino sobre el propio lugar.
- Este tiempo de preparación es ingrato en el sentido de que es necesario, pero nunca suficiente, ya que suceda lo que suceda, la realidad de un proyecto en los espacios públicos va a contradecir toda lógica preestablecida tanto en términos de puesta en marcha como de recepción.
- Puesto que se enfrenta a lo real, un proyecto efímero artístico en los espacios públicos puede tener consecuencias muy prolongadas en el tiempo que son inconmensurables.
- Depende de la experiencia, es una aventura indeterminada: se sabe cómo empieza, pero nunca cómo terminará.
- En el espacio público, la obra es móvil, dinámica, impugnada y, por tanto, está viva.
- En este sentido, el arte en el espacio público siempre es arte de la performance.
- Su fuerza procederá también de su capacidad de resistirse a la desaparición.
3 – LA MORAL
- Las cuestiones éticas de un proyecto en los espacios públicos son más agudas que en el mundo del arte porque intervienen en el espacio de lo real.
- Los métodos empleados y sus consecuencias comprometen la responsabilidad del artista y también la del comisario.
- Llevar a cabo un proyecto en los espacios públicos no debe depender de una oportunidad, sino de una decisión.
- No obstante, semejante proyecto no debe llegar a ser eficiente de otra forma que no sea la artística. Esa es su prioridad.
- Su irreductible lógica artística puede desconcertar eventualmente a la moral social, política o económica de una situación dada.
- Un proyecto interesante siempre cae mal, no se espera jamás y a menudo se debe tolerar.
- A menudo necesita del diálogo y la explicación (pero no la justificación).
- El artista debe saber adaptarse a un contexto sin doblegarse a él, comprenderlo sin responderle.
- Un buen proyecto en los espacios públicos siempre será subversivo, pero esta subversión es doble: frente al arte y frente al espacio público.
- Se trata de preservar la autonomía del arte allí donde todo la contradice.
4 – LA PASIÓN
- Para programar proyectos en los espacios públicos, es necesario recabar artistas que tengan un interés especial por estos lugares.
- Los espacios públicos exigen un compromiso excepcional por parte del artista y del comisario.
- En los espacios públicos el artista no tiene ninguna obligación de obtener resultados, sino una obligación sobre los medios.
- Los espacios públicos no deben ser más que una posibilidad entre otros, una necesidad y una urgencia para la obra.
- Se debe evitar que un proyecto en los espacios públicos tenga el área limitada a un entorno.
- Debe comprometer una relación inédita con sus espectadores, fortuitos o solicitados.
- Un buen proyecto supone una pasión por la experiencia, por la confrontación inmediata y también por el riesgo.
- Un buen proyecto en el espacio público no “funciona” nunca y demanda por tanto una cierta humildad.
- Requiere una lucidez particular, aunque también una determinación que deje poco margen a las dudas.
- Un proyecto en el espacio público puede ser muy simple en sus objetivos, pero sus consecuencias siempre serán extremadamente complejas.
1 De una conversación con un participante en un café. Proyecto Moveable type no documenta, Ben Kinmont, 2002.
2 Por otra parte, ellas se remiten a la famosa fórmula de Charles Baudelaire sobre "la época, la moda, la moral, la pasión".
Monday, May 28, 2007
Lo que me tienen que entregar:
El miércoles tiene que:
1. Instalar su obra en el anfiteatro del edif. viejo.
2. Traer su blog impreso, en un cuaderno, con cualquier documentacion fotografica, etc. que vayan a entregar.
3. Estar listos para empezar la crítica a las 5:30.
4. A eso de las 6-6:30 empezará el performance de Jorge.
5. A las 6: 30 nos vamos a ver la instalacion/performance/pintura de Julio.
6. Despues a las alcapurrias...creo.
El viernes yo estare en la escuela de 6-8 para entregar los cartapacios con comentarios. El que no los recoja, se los dejaré en la escuela, en la escalera al segundo piso para que los recoja a su beneplácito (o se los boten).
Nos vemos el miercoles. Pienso asistir a la apertura de Felix el Miercoles a las 12. Ojala no podamos ver alli.
1. Instalar su obra en el anfiteatro del edif. viejo.
2. Traer su blog impreso, en un cuaderno, con cualquier documentacion fotografica, etc. que vayan a entregar.
3. Estar listos para empezar la crítica a las 5:30.
4. A eso de las 6-6:30 empezará el performance de Jorge.
5. A las 6: 30 nos vamos a ver la instalacion/performance/pintura de Julio.
6. Despues a las alcapurrias...creo.
El viernes yo estare en la escuela de 6-8 para entregar los cartapacios con comentarios. El que no los recoja, se los dejaré en la escuela, en la escalera al segundo piso para que los recoja a su beneplácito (o se los boten).
Nos vemos el miercoles. Pienso asistir a la apertura de Felix el Miercoles a las 12. Ojala no podamos ver alli.
Friday, May 25, 2007
Tuesday, May 22, 2007
Monday, May 21, 2007
Formas electronicas de intervenir el espacio publico
http://www.urban-atmospheres.net/ISEA2006/selections_all.htm
Thursday, May 17, 2007
Sobre el trabajo de Jorge...
Busquen Susanna y los Viejos, o Susana and the Elders. Ahí veran el tema del voyerismo tratado desde un cuento de la apócrifa. Fue una manera "legal" de seducir la vista y poder mostrar un desnudo y legitimizarlo con un cuento extra-Biblico.
La super artista, Artemisia Gentileschi lo retomó, al igual que muchos otros. Le he sugerido a Jorge que copie algunos de esas imágenes a su blog, junto con un retrato de su maquetita, como ilustración. Además, hay excelente informacion sobre el voyerismo en la literatura y en la psicologia (porque, como, cuando, donde, actitudes, cultura, etc.) Jorge, si haces esto, creo que encajas tu obra dentro del marco mas grande que es este fenómeno en la cultura.
Seguimos.
La super artista, Artemisia Gentileschi lo retomó, al igual que muchos otros. Le he sugerido a Jorge que copie algunos de esas imágenes a su blog, junto con un retrato de su maquetita, como ilustración. Además, hay excelente informacion sobre el voyerismo en la literatura y en la psicologia (porque, como, cuando, donde, actitudes, cultura, etc.) Jorge, si haces esto, creo que encajas tu obra dentro del marco mas grande que es este fenómeno en la cultura.
Seguimos.
la clase final....
Para la clase final tienen que entregar:
1. El blog printeado y grapado con su nombre completo
2. Presentar su trabajo.
2a-Si vamos a viajar como en el caso de Julio, debe ser tal vez antes de que caiga la noche, a no ser que vayas a tener luces etc. en tu instalación.
3. Si van a presentar documentacion de un performance, o una pintura con documentacion, eso se puede hacer durante la clase.
4. Si van a hacer el performance, como Jorge, tienen que tener la pieza montada y lista para funcionar a las 6 PM. Asi no tenemos que quedarnos hasta que amanezca, a no ser que quieran hacer eso.
5. Si quieren traer algo que picar, pueden, es opcional, pero no requisito.
1. El blog printeado y grapado con su nombre completo
2. Presentar su trabajo.
2a-Si vamos a viajar como en el caso de Julio, debe ser tal vez antes de que caiga la noche, a no ser que vayas a tener luces etc. en tu instalación.
3. Si van a presentar documentacion de un performance, o una pintura con documentacion, eso se puede hacer durante la clase.
4. Si van a hacer el performance, como Jorge, tienen que tener la pieza montada y lista para funcionar a las 6 PM. Asi no tenemos que quedarnos hasta que amanezca, a no ser que quieran hacer eso.
5. Si quieren traer algo que picar, pueden, es opcional, pero no requisito.
Lo TRANS DE la transdisicplina
Esto es el profile de una colega con quien voy a enseñar este verano. Solo para que vean lo que es posible en el momento que se rompe el esquema de "yo con mi pintura o escultura en mi estudio con mi visión, que creo para que el mundo se maraville de mi creación y diga ahhh que artista!" La humildad de yo no lo sé todo, AND THAT IS OKEY, es la base de aprender a navegar la ambigüedad, que es la nota básica del trabajo no lineal, transdisciplinario.
El problema que veo es que no todos han escogido OTRA DISCIPLINA para informar su pieza sino que se han mantenido dentro de lo familiar---el arte, o lo que yo conozco. Por ejemplo, Maritza va a usar un diseñador de rótulos. Eso es dentro de la disciplina del arte. Pero el proyecto de ellas ocurre en un setting médico, así que puede abordar a otra disciplina que utiliza el espacio--desde al ayudante técnico a la enfermera o a la radiografa---es decir, el espacio " T " de los que usan el espacio.
Iris, tengo un grupo en Loiza que se dedica a usar el arte para hablar de la salud--con una educadora de la salud. Te digo mañana en clase.
Jorge, me preocupa que investigación vas a poder hacer para tu pieza. Tal vez un/@ sexólog@ que discutan temas del voyerismo. Ese tema se toca en la pintura tambien. Especialmente en la epoca Rococo, en la pintura sobre los Elders y Susanna. Hay un subtema aquí que tiene que ver con la materialidad de la mirada: El effecto de la mirada hetero/homosexual sobre el cuerpo/psiquis. Esa frase : "me sentía tan sucia con su mirada" "era una mirada sucia, laciva" , que contrasta con la mirada de un amante a su amad@. ?Cual es la diferencia? La invitación a una mirada bella, una mirada limpia, una mirada sucia, una mirada neutra etc. , afecta al que miran? Cuando ocurre la depersonalización de la persona, es decir, la persona se convierte en objeto, o en este caso, el tu\el artista, en qué puede consistir la comunicacion y coneccion con tu público?
Hablamos el viernes.
Si se sienten despistados, recuerden que su intuicion es su Norte. Lo que les esté latiendo, trabajen con eso, le hacen un analisis del sistema, con el espacio T y eso les va a dar mas informacion sobre el material conque pueden bregar.
Sigamos.
El problema que veo es que no todos han escogido OTRA DISCIPLINA para informar su pieza sino que se han mantenido dentro de lo familiar---el arte, o lo que yo conozco. Por ejemplo, Maritza va a usar un diseñador de rótulos. Eso es dentro de la disciplina del arte. Pero el proyecto de ellas ocurre en un setting médico, así que puede abordar a otra disciplina que utiliza el espacio--desde al ayudante técnico a la enfermera o a la radiografa---es decir, el espacio " T " de los que usan el espacio.
Iris, tengo un grupo en Loiza que se dedica a usar el arte para hablar de la salud--con una educadora de la salud. Te digo mañana en clase.
Jorge, me preocupa que investigación vas a poder hacer para tu pieza. Tal vez un/@ sexólog@ que discutan temas del voyerismo. Ese tema se toca en la pintura tambien. Especialmente en la epoca Rococo, en la pintura sobre los Elders y Susanna. Hay un subtema aquí que tiene que ver con la materialidad de la mirada: El effecto de la mirada hetero/homosexual sobre el cuerpo/psiquis. Esa frase : "me sentía tan sucia con su mirada" "era una mirada sucia, laciva" , que contrasta con la mirada de un amante a su amad@. ?Cual es la diferencia? La invitación a una mirada bella, una mirada limpia, una mirada sucia, una mirada neutra etc. , afecta al que miran? Cuando ocurre la depersonalización de la persona, es decir, la persona se convierte en objeto, o en este caso, el tu\el artista, en qué puede consistir la comunicacion y coneccion con tu público?
Hablamos el viernes.
Si se sienten despistados, recuerden que su intuicion es su Norte. Lo que les esté latiendo, trabajen con eso, le hacen un analisis del sistema, con el espacio T y eso les va a dar mas informacion sobre el material conque pueden bregar.
Sigamos.
Wednesday, May 16, 2007
hibris o hubris...
Hubris
From Wikipedia, the free encyclopedia
Hubris or hybris (Greek ὕβρις), according to its modern usage, is exaggerated self pride or self-confidence (overbearing pride), often resulting in fatal retribution. In Ancient Greek hubris referred to actions taken in order to shame the victim, thereby making oneself seem superior.
Hubris was a crime in classical Athens. Violations of the law against hubris ranged from what might today be termed assault and battery, to sexual assault, to the theft of public or sacred property.[1] Two well-known cases are found in the speeches of Demosthenes; first, when Meidias punched Demosthenes in the face in the theater (Against Meidias). The second (Against Konon) involved a defendant who allegedly assaulted a man and crowed over the victim like a fighting cock. In the second case it is not so much the assault that is evidence of hubris as the insulting behavior over the victim.
An early example of "hubris" in Greek literature are the suitors of Penelope in Homer's Odyssey. They are eventually made to pay for their presumptuous encroachments on the household of Odysseus.
Contents
[hide]
1 Hubris in ancient Greece
2 The Law of Hubris
3 Hubris in modern times
4 See also
5 Notes
6 References
[edit]Hubris in ancient Greece
Hubris against the gods is often attributed as a character flaw of the heroes in Greek tragedy, and the cause of the "nemesis" or destruction, which befalls these characters. However, this represents only a small proportion of occurrences of hubris in Greek literature, and for the most part hubris refers to infractions by mortals against other mortals. Therefore, it is now generally agreed that the Greeks did not generally think of hubris as a religious matter, still less that it was normally punished by the gods.[2]
Aristotle defined hubris as follows:
to cause shame to the victim, not in order that anything may happen to you, nor because anything has happened to you, but merely for your own gratification. Hubris is not the requital of past injuries; this is revenge. As for the pleasure in hubris, its cause is this: men think that by ill-treating others they make their own superiority the greater.[3]
Crucial to this definition are the ancient Greek concepts of honor (timē) and shame. The concept of timē included not only the exaltation of the one receiving honor, but also the shaming of the one overcome by the act of hubris. This concept of honor is akin to a zero-sum game.
Rush Rehm simplifies this definition to the contemporary concept of "insolence, contempt, and excessive violence".[4]
[edit]The Law of Hubris
While hubris was a concept that encompassed Athenian morality, there was also a law against hubris. It was somewhat more narrow in scope, applying only to acts of hubris committed by an Athenian citizen against another citizen. There are not many cases of a violation of the Law of Hubris because it was expensive to prosecute, difficult to prove, and the fines from a conviction went to the public and not the plaintiff.[5]
[edit]Hubris in modern times
In its modern usage, hubris denotes overconfident pride and arrogance; it is often associated with a lack of knowledge, interest in, and exploration of history, combined with a lack of humility. An accusation of hubris often implies that suffering or punishment will follow, similar to the occasional pairing of hubris and Nemesis in the Greek world. The proverb "pride goes before a fall" is thought to sum up the modern definition of hubris.[6] It is possible to bring hubris to a slave according to Demosthenes in Ancient Greece.
From Wikipedia, the free encyclopedia
Hubris or hybris (Greek ὕβρις), according to its modern usage, is exaggerated self pride or self-confidence (overbearing pride), often resulting in fatal retribution. In Ancient Greek hubris referred to actions taken in order to shame the victim, thereby making oneself seem superior.
Hubris was a crime in classical Athens. Violations of the law against hubris ranged from what might today be termed assault and battery, to sexual assault, to the theft of public or sacred property.[1] Two well-known cases are found in the speeches of Demosthenes; first, when Meidias punched Demosthenes in the face in the theater (Against Meidias). The second (Against Konon) involved a defendant who allegedly assaulted a man and crowed over the victim like a fighting cock. In the second case it is not so much the assault that is evidence of hubris as the insulting behavior over the victim.
An early example of "hubris" in Greek literature are the suitors of Penelope in Homer's Odyssey. They are eventually made to pay for their presumptuous encroachments on the household of Odysseus.
Contents
[hide]
1 Hubris in ancient Greece
2 The Law of Hubris
3 Hubris in modern times
4 See also
5 Notes
6 References
[edit]Hubris in ancient Greece
Hubris against the gods is often attributed as a character flaw of the heroes in Greek tragedy, and the cause of the "nemesis" or destruction, which befalls these characters. However, this represents only a small proportion of occurrences of hubris in Greek literature, and for the most part hubris refers to infractions by mortals against other mortals. Therefore, it is now generally agreed that the Greeks did not generally think of hubris as a religious matter, still less that it was normally punished by the gods.[2]
Aristotle defined hubris as follows:
to cause shame to the victim, not in order that anything may happen to you, nor because anything has happened to you, but merely for your own gratification. Hubris is not the requital of past injuries; this is revenge. As for the pleasure in hubris, its cause is this: men think that by ill-treating others they make their own superiority the greater.[3]
Crucial to this definition are the ancient Greek concepts of honor (timē) and shame. The concept of timē included not only the exaltation of the one receiving honor, but also the shaming of the one overcome by the act of hubris. This concept of honor is akin to a zero-sum game.
Rush Rehm simplifies this definition to the contemporary concept of "insolence, contempt, and excessive violence".[4]
[edit]The Law of Hubris
While hubris was a concept that encompassed Athenian morality, there was also a law against hubris. It was somewhat more narrow in scope, applying only to acts of hubris committed by an Athenian citizen against another citizen. There are not many cases of a violation of the Law of Hubris because it was expensive to prosecute, difficult to prove, and the fines from a conviction went to the public and not the plaintiff.[5]
[edit]Hubris in modern times
In its modern usage, hubris denotes overconfident pride and arrogance; it is often associated with a lack of knowledge, interest in, and exploration of history, combined with a lack of humility. An accusation of hubris often implies that suffering or punishment will follow, similar to the occasional pairing of hubris and Nemesis in the Greek world. The proverb "pride goes before a fall" is thought to sum up the modern definition of hubris.[6] It is possible to bring hubris to a slave according to Demosthenes in Ancient Greece.
Interesante mezcla de performance, dibujo, y musica...
...interdisciplinaria....
****no trans arte aqui****
***************
Arte
Juegos de perspectiva
Por Yanira Cirino Vigo / ycirino@gmail.com
Entre el arte y la música, el orden y el caos, y roles que se intercambian, Héctor Arce Espasas se labra un lugar en el mundo del arte.
La pieza se titula ‘Strumming Music’. Charlemagne Palestine, reconocido músico y compositor neoyorquino, se coloca frente al piano y comienza a tocar dos teclas rápida y sucesivamente. Poco a poco va moviendo sus manos desde los tonos agudos hacia los graves. Todo el tiempo que dura la pieza mantiene presionado el pedal derecho para que las cuerdas continúen vibrando. Y sigue alternando las teclas, inundando el espacio de ondas sonoras que rebotan contra las paredes del teatro. Hasta que las notas se confunden, se entremezclan y envuelven a la audiencia en una niebla musical.
Al cabo de cuarenta y cinco minutos, Palestine deja de tocar y el público, pensando que ha terminado, comienza a aplaudir. El músico se voltea y con gestos le pide que espere, que todavía hay algo que escuchar. La música sigue en el aire. La idea es que el público permanezca en silencio hasta que desaparezca la reverberación.
Héctor Arce Espasas tuvo la oportunidad de estar allí, entre la niebla, en un festival de performance en España. “Al principio se escuchaban los golpes de las teclas, pero llegó un momento que el teatro se llenó tanto de sonido que no se escuchaba nada. Cerrabas los ojos y era como una nube. Una pieza bien simple, pero fuerte a la misma vez”.
***
Para algunos artistas, el principio puede ser el sonido. Para otros, la palabra. Para Arce Espasas, joven puertorriqueño egresado de The School of the Art Institute of Chicago, todo comienza con el lápiz y el papel. Imágenes, trazos, ideas expresadas en hojas de múltiples grosores que pueden quedarse allí o trascender a otro plano. Le gustan los lápices, especialmente los de color, porque le permiten trabajar sin corregir o borrar, simplemente donde lo lleve su mano.
Siente apego por el papel. Lo maneja con soltura y le gusta utilizarlo en diferentes formas y contextos. En su instalación titulada ‘Transitions’, figuras de papel blanco flotan en una pared blanca, estampas que asemejan criaturas marinas. Las figuras están fijas, pero es como si quisieran escapar de su inercia. “Trabajo mayormente con conceptos opuestos. Cuando estaba haciendo esa obra pensé en el movimiento y la pausa”, dice.
En julio de 200, Arce Espasas celebró la apertura de su primera exposición individual, titulada ‘Recent Works on Paper’ en la galería New Space Chicago (hoy Lloyd Dobler Gallery). En esta exhibición, los dibujos hablaron sobre el orden y el caos, la casa como estructura primaria, la relación entre colores, la naturaleza como complemento de las construcciones humanas, lo que está y lo que no está.
Una de las obras creadas específicamente para esta muestra fue una instalación (sin nombre) de una casa dibujada directamente en el techo. Un juego de perspectiva: la casa se mueve dependiendo de dónde esté situado el espectador. Tiras de papel en tonos verdes y grises cuelgan de la pared contigua “creando un dibujo sin dibujar”. Un intercambio de roles: el dibujo salió del papel para plasmarse en otra superficie y el papel se encargó de formar sus propias líneas.
En otra ocasión fue una burbuja cuadrada en medio de una plaza española. Dentro de ella el artista dibujó lo que observó a su alrededor, una mirada circular a través de un filtro cuasi transparente. Se trata de un ‘Cubo’, un performance realizado por Arce Espasas durante su semestre de intercambio en la Universidad Politécnica de Valencia.
Cuando fue a buscar permiso de la policía para hacer el proyecto, los oficiales valencianos no entendían lo que quería hacer: ¿inflar un cubo plástico en una plaza pública para qué? Al final le dieron el permiso, uno que no tenía nada que ver con el arte. Y allá se fue con su plan; después que no lo arrestaran no habría problema. Y no lo hubo. La burbuja se llenó de aire y él pudo adentrarse en su universo sintético para esbozar (siempre con la izquierda) fragmentos y elementos del mundo exterior.
Le gustaría hacer otros proyectos interactivos fuera del espacio de la galería, así como otras instalaciones con dibujo. Recientemente empezó a compartir un estudio en una zona comercial de Chicago y también se está dando a conocer en ferias de arte. En diciembre de 2006 participó en Art Basel Miami como parte de la exhibición colectiva Polvo @ Pool Art Fair.
***
Arce Espasas no creció pensando en una carrera en las artes visuales. De niño tocaba el saxofón, estaba en la banda de la escuela y también tomaba clases en el Conservatorio de Música.
Hoy la música sigue siendo importante en su vida. Sus gustos musicales son eclécticos por demás. La Lupe encabeza la lista, por su dramatismo sin fronteras. Llena de emociones fuertes es también la música gitana, tanto la de España como la de los Balcanes. Igualmente le llaman la atención las canciones que contienen un lenguaje propio, como las de Calle 13 o Tego Calderón. Le divierte que las letras de estos exponentes del reguetón incluyen muchas palabras inventadas, un dialecto particular, algo que también está presente en la salsa de Marvin Santiago, otro de sus preferidos. Y Björk: la inventora por excelencia. La cantante islandesa que, además de romper con convencionalismos musicales, también juega con el lenguaje y elabora su propio idioma. “A veces tiene canciones que son disparates completos. Eso me gusta”.
***
“Estar en una ciudad como Chicago, con todos sus museos y galerías, me ayudó mucho”, dice Arce Espasas. “No cambio la experiencia por nada”. Sin embargo, quiere regresar a Puerto Rico. “Me gustaría volver y trabajar allá, pero todavía quiero experimentar un poco más”.
Su próximo paso puede ser Nueva York, adonde considera mudarse. En todo caso, Puerto Rico no va a estar lejos de donde vaya. Odilio González, maestro de la música jíbara y al que escucha regularmente, le seguirá los pasos para curarle la nostalgia o (por si acaso) mantenerlo con los pies en la tierra.
Sigo en el vellón pegao
Con los tipos presumidos
Que se van a Estados Unidos
Y se olvidan del pegao…
****no trans arte aqui****
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Arte
Juegos de perspectiva
Por Yanira Cirino Vigo / ycirino@gmail.com
Entre el arte y la música, el orden y el caos, y roles que se intercambian, Héctor Arce Espasas se labra un lugar en el mundo del arte.
La pieza se titula ‘Strumming Music’. Charlemagne Palestine, reconocido músico y compositor neoyorquino, se coloca frente al piano y comienza a tocar dos teclas rápida y sucesivamente. Poco a poco va moviendo sus manos desde los tonos agudos hacia los graves. Todo el tiempo que dura la pieza mantiene presionado el pedal derecho para que las cuerdas continúen vibrando. Y sigue alternando las teclas, inundando el espacio de ondas sonoras que rebotan contra las paredes del teatro. Hasta que las notas se confunden, se entremezclan y envuelven a la audiencia en una niebla musical.
Al cabo de cuarenta y cinco minutos, Palestine deja de tocar y el público, pensando que ha terminado, comienza a aplaudir. El músico se voltea y con gestos le pide que espere, que todavía hay algo que escuchar. La música sigue en el aire. La idea es que el público permanezca en silencio hasta que desaparezca la reverberación.
Héctor Arce Espasas tuvo la oportunidad de estar allí, entre la niebla, en un festival de performance en España. “Al principio se escuchaban los golpes de las teclas, pero llegó un momento que el teatro se llenó tanto de sonido que no se escuchaba nada. Cerrabas los ojos y era como una nube. Una pieza bien simple, pero fuerte a la misma vez”.
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Para algunos artistas, el principio puede ser el sonido. Para otros, la palabra. Para Arce Espasas, joven puertorriqueño egresado de The School of the Art Institute of Chicago, todo comienza con el lápiz y el papel. Imágenes, trazos, ideas expresadas en hojas de múltiples grosores que pueden quedarse allí o trascender a otro plano. Le gustan los lápices, especialmente los de color, porque le permiten trabajar sin corregir o borrar, simplemente donde lo lleve su mano.
Siente apego por el papel. Lo maneja con soltura y le gusta utilizarlo en diferentes formas y contextos. En su instalación titulada ‘Transitions’, figuras de papel blanco flotan en una pared blanca, estampas que asemejan criaturas marinas. Las figuras están fijas, pero es como si quisieran escapar de su inercia. “Trabajo mayormente con conceptos opuestos. Cuando estaba haciendo esa obra pensé en el movimiento y la pausa”, dice.
En julio de 200, Arce Espasas celebró la apertura de su primera exposición individual, titulada ‘Recent Works on Paper’ en la galería New Space Chicago (hoy Lloyd Dobler Gallery). En esta exhibición, los dibujos hablaron sobre el orden y el caos, la casa como estructura primaria, la relación entre colores, la naturaleza como complemento de las construcciones humanas, lo que está y lo que no está.
Una de las obras creadas específicamente para esta muestra fue una instalación (sin nombre) de una casa dibujada directamente en el techo. Un juego de perspectiva: la casa se mueve dependiendo de dónde esté situado el espectador. Tiras de papel en tonos verdes y grises cuelgan de la pared contigua “creando un dibujo sin dibujar”. Un intercambio de roles: el dibujo salió del papel para plasmarse en otra superficie y el papel se encargó de formar sus propias líneas.
En otra ocasión fue una burbuja cuadrada en medio de una plaza española. Dentro de ella el artista dibujó lo que observó a su alrededor, una mirada circular a través de un filtro cuasi transparente. Se trata de un ‘Cubo’, un performance realizado por Arce Espasas durante su semestre de intercambio en la Universidad Politécnica de Valencia.
Cuando fue a buscar permiso de la policía para hacer el proyecto, los oficiales valencianos no entendían lo que quería hacer: ¿inflar un cubo plástico en una plaza pública para qué? Al final le dieron el permiso, uno que no tenía nada que ver con el arte. Y allá se fue con su plan; después que no lo arrestaran no habría problema. Y no lo hubo. La burbuja se llenó de aire y él pudo adentrarse en su universo sintético para esbozar (siempre con la izquierda) fragmentos y elementos del mundo exterior.
Le gustaría hacer otros proyectos interactivos fuera del espacio de la galería, así como otras instalaciones con dibujo. Recientemente empezó a compartir un estudio en una zona comercial de Chicago y también se está dando a conocer en ferias de arte. En diciembre de 2006 participó en Art Basel Miami como parte de la exhibición colectiva Polvo @ Pool Art Fair.
***
Arce Espasas no creció pensando en una carrera en las artes visuales. De niño tocaba el saxofón, estaba en la banda de la escuela y también tomaba clases en el Conservatorio de Música.
Hoy la música sigue siendo importante en su vida. Sus gustos musicales son eclécticos por demás. La Lupe encabeza la lista, por su dramatismo sin fronteras. Llena de emociones fuertes es también la música gitana, tanto la de España como la de los Balcanes. Igualmente le llaman la atención las canciones que contienen un lenguaje propio, como las de Calle 13 o Tego Calderón. Le divierte que las letras de estos exponentes del reguetón incluyen muchas palabras inventadas, un dialecto particular, algo que también está presente en la salsa de Marvin Santiago, otro de sus preferidos. Y Björk: la inventora por excelencia. La cantante islandesa que, además de romper con convencionalismos musicales, también juega con el lenguaje y elabora su propio idioma. “A veces tiene canciones que son disparates completos. Eso me gusta”.
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“Estar en una ciudad como Chicago, con todos sus museos y galerías, me ayudó mucho”, dice Arce Espasas. “No cambio la experiencia por nada”. Sin embargo, quiere regresar a Puerto Rico. “Me gustaría volver y trabajar allá, pero todavía quiero experimentar un poco más”.
Su próximo paso puede ser Nueva York, adonde considera mudarse. En todo caso, Puerto Rico no va a estar lejos de donde vaya. Odilio González, maestro de la música jíbara y al que escucha regularmente, le seguirá los pasos para curarle la nostalgia o (por si acaso) mantenerlo con los pies en la tierra.
Sigo en el vellón pegao
Con los tipos presumidos
Que se van a Estados Unidos
Y se olvidan del pegao…
Tuesday, May 15, 2007
El Arte y la Sociedad
A medio de introducción de nuestro tópico final, aquí hay varias definiciones de lo que es el "desarrollo cultural", léase, el arte en la comunidad como medio de mejora de calidad de vida. Piensen en su propia definición, y hablaremos de esto en clase. El sistema es la sociedad, y el arte INTERVIENE en le fluir de energía del sistema.
*****
Àlex Rodríguez Quero
El arte como expresión creadora de los pueblos, comunidades y colectivos es parte imprescindible de cualquier politica de desarrollo comunitario, reafirmando asi es compromiso con el desarrollo sostenible y la integración. En este sentido, los programas de desarrollo cultural promueven la acción social a través de la cultura como fundamento del desarrollo.
ALICIA
El desarrollo cultural comunitario es un proceso social mediante el cual la población se una por unas necesidades y unas demandas conjuntas.Para llevar a cabo este desarrollo se utiliza la cultura y sus expresiones. Se necesita la participación de la comunidad.
Aurora
El desarrollo cultural comunitario es un movimiento de la población con el objetivo de mejorar las situación actual y hacer partícipes de este movimiento a todas las personas posibles sin importar su nacionalidad y así conseguir un desarrollo cultural más amplio y la posibildad de conocer nuevas formas culturales mientras se trabaja juntos para conseguir los objetivos.
desirée vidal juncal
la toma de poder de la comunidad, recuperar su voz, asumir responsabilidades compartidas, voluntad de transformar las dificultades en oportunidades, expresión colectiva, manifestación cultural, empoderamiento, fortalecimiento del tejido social local, la imaginación al poder.
Jordi MInguella Muñoz
Estudio 1er. Educació Social a Palma. Creo en el lenguaje formal creativo, manifestacion y opinión a traves de la experiencia en un escenario o un lienzo sin previo aviso. Estoy interesado en el curso
lelé
que no només la raó sinó tots els nostres sentits s'impliquin en la voluntat de millorar el nostre voltant
Mabel Hayes
Arte y transformación social: acercarnos al arte: música, plastica, teatro dentro de nosotros mismos produce una transformación personal, crea una libertad interior, una forma distinta de expresarnos y comunicarnos, libera la creatividad y el espiritu de juego, nos permite volar. Al hacerlo con otro, vecino, vecina, con el conjunto del barrio, el pueblo, nos da fuerza transformadora de nuestra realidad, trabajamos en el borde de lo imposible: al ser capaces de desarrollar nuestro interior , podemos desarrollarlo en comunidad, lograr una vida mas digna para todos.
Pere
Conjunto de iniciativas y actividades artístico-culturales que se desarrollan a partir de la colaboración entre artistas i comunidades vecinales con el objetivo de expresar, a través del arte, identidades locales, preocupaciones i/o ideas, mientras se desarrollan aspectos culturales que contribuyen a una mejora de la calidad y la cohesión social.
SALOM É RODRÍGUEZ GONZÁLEZ
EL DESENVOLVIMIENTO DE UN INVESTIGADOR PLASTICO, O CREADOR, O GESTOR, CONCIDERO QUE ANTE TODO DEBE DE SUMERGIRSE EN LA COMUNIDAD, ANTES DE PLANTEAR CUALQUIER PROPUESTA, ES DECIR NO LLEGAR CON NADFA DEBAJO DEL BRAZO, MAS QUE SU EXPERIENCIA DE VIDA, MAS SI CONVERTIRCE EN UN RECEPTACULO DE LO QUE VE OYE Y SIENTE DEL ENTORNO A EXPLORAR, CASI SIEMPRE LLEGAMOS CON UNA IDEA PRECONCEVIDA A UN SITIO Y SE SALE CON OTRA PROPUESTA YA QUE CADA COMUNIDAD TIENE SU VIDA PROPIA Y ESA ES LA QUE HAY QUE PERCIVIR, LA COMUNIDAD MISMA SABE DE QUE SE TRATA,EL INVESTIGADOR-ARTISTA, PROMOTOR SOLO DEBE DE LOGRAR CANALIZAR Y AGILIZAR PROPUESTAS, SDIN IMPONER CRITERIOR, MAS BIEN ES UN SER QUE LOGRA AGLUTINAR Y EJECUTAR CON LOS DEMAS, DAR ORDEN, ES ANTE TODO EJERCICIOS DE DEMOCRACIA PARTICIPATIVA
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Àlex Rodríguez Quero
El arte como expresión creadora de los pueblos, comunidades y colectivos es parte imprescindible de cualquier politica de desarrollo comunitario, reafirmando asi es compromiso con el desarrollo sostenible y la integración. En este sentido, los programas de desarrollo cultural promueven la acción social a través de la cultura como fundamento del desarrollo.
ALICIA
El desarrollo cultural comunitario es un proceso social mediante el cual la población se una por unas necesidades y unas demandas conjuntas.Para llevar a cabo este desarrollo se utiliza la cultura y sus expresiones. Se necesita la participación de la comunidad.
Aurora
El desarrollo cultural comunitario es un movimiento de la población con el objetivo de mejorar las situación actual y hacer partícipes de este movimiento a todas las personas posibles sin importar su nacionalidad y así conseguir un desarrollo cultural más amplio y la posibildad de conocer nuevas formas culturales mientras se trabaja juntos para conseguir los objetivos.
desirée vidal juncal
la toma de poder de la comunidad, recuperar su voz, asumir responsabilidades compartidas, voluntad de transformar las dificultades en oportunidades, expresión colectiva, manifestación cultural, empoderamiento, fortalecimiento del tejido social local, la imaginación al poder.
Jordi MInguella Muñoz
Estudio 1er. Educació Social a Palma. Creo en el lenguaje formal creativo, manifestacion y opinión a traves de la experiencia en un escenario o un lienzo sin previo aviso. Estoy interesado en el curso
lelé
que no només la raó sinó tots els nostres sentits s'impliquin en la voluntat de millorar el nostre voltant
Mabel Hayes
Arte y transformación social: acercarnos al arte: música, plastica, teatro dentro de nosotros mismos produce una transformación personal, crea una libertad interior, una forma distinta de expresarnos y comunicarnos, libera la creatividad y el espiritu de juego, nos permite volar. Al hacerlo con otro, vecino, vecina, con el conjunto del barrio, el pueblo, nos da fuerza transformadora de nuestra realidad, trabajamos en el borde de lo imposible: al ser capaces de desarrollar nuestro interior , podemos desarrollarlo en comunidad, lograr una vida mas digna para todos.
Pere
Conjunto de iniciativas y actividades artístico-culturales que se desarrollan a partir de la colaboración entre artistas i comunidades vecinales con el objetivo de expresar, a través del arte, identidades locales, preocupaciones i/o ideas, mientras se desarrollan aspectos culturales que contribuyen a una mejora de la calidad y la cohesión social.
SALOM É RODRÍGUEZ GONZÁLEZ
EL DESENVOLVIMIENTO DE UN INVESTIGADOR PLASTICO, O CREADOR, O GESTOR, CONCIDERO QUE ANTE TODO DEBE DE SUMERGIRSE EN LA COMUNIDAD, ANTES DE PLANTEAR CUALQUIER PROPUESTA, ES DECIR NO LLEGAR CON NADFA DEBAJO DEL BRAZO, MAS QUE SU EXPERIENCIA DE VIDA, MAS SI CONVERTIRCE EN UN RECEPTACULO DE LO QUE VE OYE Y SIENTE DEL ENTORNO A EXPLORAR, CASI SIEMPRE LLEGAMOS CON UNA IDEA PRECONCEVIDA A UN SITIO Y SE SALE CON OTRA PROPUESTA YA QUE CADA COMUNIDAD TIENE SU VIDA PROPIA Y ESA ES LA QUE HAY QUE PERCIVIR, LA COMUNIDAD MISMA SABE DE QUE SE TRATA,EL INVESTIGADOR-ARTISTA, PROMOTOR SOLO DEBE DE LOGRAR CANALIZAR Y AGILIZAR PROPUESTAS, SDIN IMPONER CRITERIOR, MAS BIEN ES UN SER QUE LOGRA AGLUTINAR Y EJECUTAR CON LOS DEMAS, DAR ORDEN, ES ANTE TODO EJERCICIOS DE DEMOCRACIA PARTICIPATIVA
Saturday, May 12, 2007
El proximo viernes en la EAP
Para todos aquellos que nos reunimos los viernes...como saben, este viernes el tapón en Borders era de madre, así que volvemos a cambiar el lugar del taller a la EAP. SUGIERO cambiar la hora a las 2. Tenemos que reponer todavia dos horas extras de la clase que perdimos al principio. Asi que si alguien no puede estar el viernes a las 2 o a las 4 pm este viernes que lo diga. Si no, será a las 6 como manda el silabario. Pero hay que reponer las horas perdidas.
Asi que ya saben, BORDERS queda cancelado.
Asi que ya saben, BORDERS queda cancelado.
Friday, May 11, 2007
Wednesday, May 9, 2007
La recta final...
Estamos en el fulcrum, el apogeo de la clase. De ahora en adelante es a apuntalar los proyectos, hacer los bocetos, la propuesta y ha presentarlos en la ultima clase. Despues de la conferencia quiero reunirme con cada uno de ustedes a ver donde estan con esto.
Tuesday, May 8, 2007
Carsten Holler
http://www.tate.org.uk/onlineevents/archive/carsten_holler/
Una mezcla de ciencia con arte---chulísimo...
Una mezcla de ciencia con arte---chulísimo...
Monday, May 7, 2007
Chekeen el blog de Jorge
con unas excelentes notas sobre Allan Kaprow . Buen trabajo Jorge---despues de cancanearme al principio. Vas bien.
Tambien vean el blog de Iris con fotos de su ultimo show en Manati.
Julio puso unas fotos de su excursión a su pasado interior.
Tambien vean el blog de Iris con fotos de su ultimo show en Manati.
Julio puso unas fotos de su excursión a su pasado interior.
Sunday, May 6, 2007
FALK HEINRICH. Transient Systems of Communication
http://people.brunel.ac.uk/bst/vol05/heinrich.html
Algunos de ustedes quieren hacer un performance y otros quieren hacer instalaciones. Este artículo les da un "hint" de lo complejo que pueden ser esos medios. Léanlo y lo discutiremos en clase.
Ji, Iris, Ramon: Tengo que hablar sobre sus projectos con ustedes el miercoles.
Algunos de ustedes quieren hacer un performance y otros quieren hacer instalaciones. Este artículo les da un "hint" de lo complejo que pueden ser esos medios. Léanlo y lo discutiremos en clase.
Ji, Iris, Ramon: Tengo que hablar sobre sus projectos con ustedes el miercoles.
Wednesday, May 2, 2007
Tuesday, May 1, 2007
Iris tiene un reporte interesante de
los analisis que le hicieron a las pinturas de Jackson Pollock....y pensar que pintaba medio borracho y aun asi mira lo que sacó!
Saturday, April 28, 2007
chekeen el blog de Felix....
... para que vean como el fluir de ideas va cristalizando y cambiando la idea original. Además, que el problema que propone intervenir es la mar de interesante por la cantidad de energías que confluyen en el mismo lugar.
Friday, April 27, 2007
Para la proxima clase
1. A varios de ustedes les he dado asignaciones para que se preparen para dar el reporte en clase y para que puedan continuar en esta etapa de investigación de sus proyectos.
2. Varios de ustedes no han llenado los links. Esto es IMPORTANTISIMO en esta clase pues el GESTALT de la cosa es que ninguno es un todo, que son parte de una química entre la profesora y ustedes y entre ustedes mismos, así que ustedes que no tienen links en sus blogs háganlos. Si se sienten perdidos, pidan ayuda a uno de sus compañeros, ya que en este bote todos remamos juntos.
3. Esta noche es el taller de 6-8. Si hay alguen que necesita reponer clases o aclarar dudas que vengan a Borders de Plaza las Americas.
2. Varios de ustedes no han llenado los links. Esto es IMPORTANTISIMO en esta clase pues el GESTALT de la cosa es que ninguno es un todo, que son parte de una química entre la profesora y ustedes y entre ustedes mismos, así que ustedes que no tienen links en sus blogs háganlos. Si se sienten perdidos, pidan ayuda a uno de sus compañeros, ya que en este bote todos remamos juntos.
3. Esta noche es el taller de 6-8. Si hay alguen que necesita reponer clases o aclarar dudas que vengan a Borders de Plaza las Americas.
Wednesday, April 25, 2007
Monday, April 23, 2007
Roberto se emboyo con Andre Breton el surrealista...
y vamos a cubrir algo de eso en la próxima clase. Pero, primero nos vamos a asegurar que todos aquellos que todavia no tienen un blog lo tengan, así que vamos a invertir el orden de la clase: vamos a hacer lo del internet primero y despues les doy la conferencia.
Sunday, April 22, 2007
Chekeen el blog de Ji....
Ji puso en su blog la referencia del escrito super largo sobre los tres pilares de la transdisciplina. Bájenlo y empiecen a leerlo--poco a poco....
Friday, April 20, 2007
El disen~o de un hospital para nin~os
Strategic Innovation: The Children's Hospital at Montefiore
Dr. Irwin Redlener has spent his career devising solutions to large-scale problems of health care for disenfranchised children. The latest expression of his single-minded agenda combines excellence in pediatric care with cutting-edge design, the latest technology, and the worldview of Carl Sagan.
From: Issue 58 | April 2002 | Page 64 | By: Polly LaBarre | Photographs By: Daniela Stallinger
Who: The Children's Hospital at Montefiore
Home Base: The Bronx, New York
Year Founded: 2001
The first thing you see when you walk into the Children's Hospital at Montefiore is a glowing glass mural of the Milky Way. The swirl of cosmic blues and purples envelops a white-hot center marked with a tiny red dot. It reads, "You are here."
It's a reminder that "here" is not just a busy hilltop in the northwest corner of the Bronx. Nor is "here" merely one of the most technologically advanced children's hospitals in the world. "Here" happens to be in the middle of a scaled-down model of the solar system crafted out of lustrous materials and graceful curves. "Here" also serves as both an entry into the hospital and an entry into the hospital's unique mission: to take children on a journey to health, discovery, and possibility.
Every inch of the hospital -- an impressive $123 million addition to the sprawling Montefiore Medical Center that serves southern Westchester County and the Bronx -- is loaded with information and inspiration about the universe, from the microscopic functions of life to the outer reaches of space. The inspiration for the science theme is the cosmic worldview of the late Carl Sagan, astronomer, author, and scientific philosopher. The exhibit-quality artistry and meticulous layers of detail are the contribution of David Rockwell, whose firm, Rockwell Group, is best known for creating theatrical extravaganzas, smart restaurants, and ultrahip hotels. The effect is part high-tech classroom, part cutting-edge science museum, part futuristic playground. Combined, it is a powerful statement of what a children's hospital needs to be.
And not just any children's hospital, but one set in the Bronx, home to 450,000 children, some of whom are the most medically underserved and at risk in the nation. It's the latest manifestation of Dr. Irwin Redlener's single-minded agenda: to establish a "medical home" for every child who lacks continuous access to high-quality, comprehensive health care and, in the process, to rethink the nature of hospitals, the role of doctors, and the standard approach to pediatric health care. "For me, it's never been just a question of providing health services to children in need," says Redlener. "It's about using health care as a lever to address the global needs of the most disadvantaged kids. For these children, health care is a foot in the door to the future. If we give them a shot at being happy and healthy while they're young, we give them the opportunity to realize their potential as adults."
Redlener, 57, is a pediatrician -- but he has never been just a doctor. For more than 30 years, while helping sick kids get better, he has also worked as a forceful advocate and creative problem solver on behalf of the world's most disenfranchised children and families. From his early days as medical director of a health center run by Volunteers in Service to America (VISTA) in rural east Arkansas, Redlener went on to develop innovative programs for the management and prevention of child abuse and to lead relief efforts in places such as Ethiopia, Guatemala, and Sudan. As medical director of USA for Africa and Hands Across America, Redlener forged a friendship with music legend Paul Simon and later built a partnership to tackle the monumental challenge of quality health care for homeless children in New York City. Launched out of a van outside a welfare hotel, the Children's Health Fund is now the largest health-care system for homeless children in the nation, with a network of 16 innovative urban and rural programs.
A combination of kindly family doctor, political animal, and aggressive entrepreneur, Redlener describes himself as an "impatient entrepreneur." The title reflects his abiding awareness that, despite his 30 years spent facing down children's health-care issues, nearly 20% of the nation's children still live in poverty, nearly 11 million children lack health insurance, and almost 10 million more are without reasonable access to quality health care. Redlener knows that the only way to move the needle on numbers like that is to reframe the issue. The question isn't just, How do you create an accessible health-care system? The deeper question is, How do you unlock the future for millions of kids with no sense of hope?
Which is why the galaxy is in the lobby at the Children's Hospital at Montefiore. In 1997, the president of Montefiore Medical Center, Dr. Spencer Foreman, raised $20 million in startup grants from Montefiore trustees Martin Davis and Lionel Pincus. Then he tapped Redlener to take a leadership role in the children's hospital. Redlener seized the opportunity.
His dream for the hospital included three nonnegotiable mind flips about health care and the institutions that provide it. First, this facility couldn't just be a hospital -- it had to be the hub of a comprehensive children's health system throughout the Bronx. "The problem with most children's hospitals," says Redlener, "is that they are passive. They are high quality. They are filled with the best doctors. But their function is to wait until kids get sick and get referred in. I wanted to establish a much more dynamic relationship between a children's hospital and the community." Second, there could be no financial barriers to service. The hospital had to be fully free and open to every child in the Bronx, regardless of ability to pay. Third, Redlener wanted to incorporate "an agenda beyond healing that would be appropriate, unique, and perhaps even life changing for this patient population."
The result: the Children's Hospital at Montefiore (CHAM), a new state-of-the-art medical facility staffed by the renowned faculty of the Albert Einstein College of Medicine. The stunning new hospital, which opened its doors late last October, is linked to a network of more than 30 community-based health facilities, including the largest school-based health program in the country, a cutting-edge neonatal intensive-care unit, the city's leading child-protection program, and a fleet of mobile medical units. Most remarkable, elaborate design artistry, inventive technology tools, and Carl Sagan's cosmic worldview have fused there into an engaging discovery zone.
"We wanted to recast the idea of what could be achieved in a children's hospital," Redlener says. "We decided to change the expectation of what happens during treatment and recovery. Our mission was to provide excellent health care and a total environment that ignites the imagination of children. Hospitals are about healing. This one is about changing lives."
"Dreams are Maps": Asking Courageous Questions
There is a VISTA recruitment poster on the wall in Redlener's office at the Children's Health Fund (CHF) headquarters on Manhattan's Upper East Side. It features a haunting black-and-white photograph of a young man with his back to the camera. He is carrying a doctor's bag, walking along a set of deserted railroad tracks in a rural area. It's a meditative image, punctuated by a phone number and a call to arms: "Sign up for a year of tough practice in the other America."
Redlener saw that poster 31 years ago in the dining room of the children's hospital in Denver where he was training to become a pediatrician. He called the number. Four months later, he left for the Arkansas Delta. It was 1971, and he was 26 years old. He never looked back. Since then, Redlener has spent his entire career as a forceful advocate for the most vulnerable children and families. But nothing prepared him for the day in 1986 when he took Paul Simon on a tour of "the invisible New York City."
Fresh from their efforts on We Are the World and USA for Africa, Redlener and Simon wanted to do something about hunger and homelessness in the United States. They visited a series of nurseries for crack babies and other special programs for sick, homeless children in New York. Then they stepped inside the Martinique Welfare Hotel, a once-glorious midtown hotel that had crumbled into a monstrous, squalid building used as a warehouse shelter for homeless families. "There were a thousand children and their parents in that building," Redlener remembers. "It was total chaos. The elevators were broken, there were drug deals going on, and there were about 80 kids waiting outside the dining room for the one meal they'd get that day. Even though I had already been very immersed in the problems of underserved children, I was stunned. And Paul Simon was absolutely speechless. The question after the visit was, What can we do?"
The answer: Create a pediatric clinic on wheels to bring high-quality, continuous medical care to children in the shelter system and on the streets. Simon and Redlener recruited Redlener's wife, Karen -- a health administrator he had met as a VISTA volunteer -- to design the program. The team launched CHF in 1987 with a single mobile unit that Simon paid for. Today in New York, there are five bright-blue, 35-foot vans that function as fully equipped clinics, complete with waiting areas, nurses' stations, the latest computers, two exam rooms, and sophisticated diagnostic equipment. For the most disadvantaged communities, the vans represent a stable source of services. And CHF has expanded into 16 other rural and urban programs that address the problem of access to health care for extremely disadvantaged children. During the past 15 years, CHF has served 300,000 kids in 750,000 encounters across the country. Redlener and his team raise between $6 million and $7 million a year for the fund.
And yet, as successful as the mobile units are, Redlener never saw them as the answer to children's health care. "Children really deserve to be in neighborhood-based, fixed-place primary health-care environments," he says. "The mobile units are really a stopgap measure."
Redlener's real dream is on display on the sixth floor of the adolescent inpatient unit at CHAM. Take the elevator up, and the doors open to a beautiful tile mosaic of the night sky over the Bronx. A young person in silhouette sits in the corner, gazing up at the city lights sparkling like constellations. Just below, the words of Carl Sagan offer a gentle push: "Dreams are maps. We make the world significant by the courage of our questions and the depth of our answers."
Sagan, a longtime friend of the Redleners who died in 1996, provided both the challenge and the beginning of a response. While in the process of drafting his dream brief for CHAM, Redlener called Sagan's widow, Ann Druyan, to discuss the idea of memorializing Sagan. Was there a way to build on Sagan's sense of science to create a hospital that was as much about discovery as about recovery? The two then called on another mutual friend, then-vice president Al Gore. Gore put together a group of top-flight scientists and thinkers -- Stephen Jay Gould, Harvard professor and author; Daniel S. Goldin, former administrator of NASA; and Neil Tyson, director of the Hayden Planetarium -- for months of White House brainstorming.
Sagan's own ideas about using science and discovery to unlock the future for children became Redlener's map. "He believed that the process of finding out where you fit into the universe and the inspiration that comes from learning something about your world can be a gateway to a whole set of possibilities for children who have otherwise been contained in a very limited worldview," Redlener says. Transforming that cosmic blueprint into a meaningful experience required another set of unlikely collaborators.
"We Are Star Stuff": Making Important Connections
Redlener had his map. Now he needed an architect to help him turn it into working drawings. He turned to David Rockwell and his team at Rockwell Group. The firm's lavish spectacles, such as Cirque du Soleil's headquarters in Orlando and sets for theatrical productions of The Rocky Horror Show Live and Hairspray, seem a world away from the serious business of designing a hospital for sick children. But Rockwell and Redlener share a commitment to creating layered experiences that unfold and capture visitors' imaginations in diverse ways.
"For us, every project begins with reimagining everything about a space," says Rockwell. "The more time we spend tilting at windmills and pushing at dreams before we get to form or color or texture, the more profound the effect. The best projects, like Montefiore, start with pure ideas rather than ideas about design."
Redlener presented Rockwell with two animating ideas. The first was Sagan's principle, which stressed the interconnectedness of the universe and the joys of learning. The second was a radical change in perspective about medical services: "family-centered care." Family-centered care shifts nearly every dimension of traditional health-care facilities. It calls on hospitals to go from being doctorcentric, information-scarce, intimidating institutions to being places that focus on responding to the needs and comfort of families, sharing information, and enlisting parents as partners in their children's health care.
In the hands of Rockwell Group, these ideas became an organizing theme: "Children are explorers on a journey to health." The idea was to uncover "all of those moments in your experience as a child in a hospital that are terrifying, dehumanizing, and lacking in information and to use those as interventions to provide information, insight, and a sense of wonder and delight," says Rockwell.
To that end, Rockwell Group wove the Carl Sagan Discovery Program into the hospital's design at every level. Each of the hospital's seven patient floors has a unique theme and design palette. The elevator lobby on each floor is an entry into a richly conceived corner of the cosmos. Step off the elevator on the third-floor unit for ambulatory and outpatient procedures, and Sagan's idea that "we are star stuff" connected by our common origin in the Big Bang is rendered in a colorful etched-glass mural of sea worms, snowflakes, and stars. Travel to the fifth-floor unit dedicated to subspecialties involving illnesses of perception (craniofacial disorders, speech, and sight conditions), and you're in an interactive playground dedicated to exploring nonvisual senses.
The hospital's design doesn't just convey information about the universe and science; it also embodies the process of discovery. Layers of detail unfold with each encounter. In each inpatient room, the window shades are custom-designed murals depicting the Bronx in different time periods. One room has a shade that features the Bronx as farmland in the 19th century; another offers a view of the Bronx when dinosaurs roamed the earth. Patient rooms don't have numbers; they feature constellations, animals, or water creatures, depending on the floor's theme. A teenager might stay in the Big Dipper room, while an infant might stay in the Bumblebee room. And scattered about the patient floors are dozens of glass-covered niches displaying works of art by young children from around the city. The child-height exhibits encourage kids to create their own drawings, collages, and sculptures in the fully supplied lounges on each floor. It's an invitation to explore.
But what about the sick children who are confined to their beds? Redlener tapped Jeb Weisman, a cultural anthropologist and technology pioneer, to extend the Carl Sagan Discovery Program into an interactive bedside environment. The solution is stunning. Every child, parent, and family member who stays in the hospital gets her own smart card. Swipe the card through a reader at any of 120 locations around the hospital, and you're immediately connected to a customized virtual portal for information, entertainment, and communication. More advanced than any other patient-oriented commercial application on the market, the system can instantly switch from broadband video on demand to Gigabit Ethernet.
The motivation for building the system, says Weisman, was never about technology. It was about adding a new dimension to the hospital encounter -- and raising the stakes. "Wouldn't it be great if you could learn something about poetry, painting, chemistry, space, or oceanography while you were here?" asks Weisman. But even more important than access to new worlds is critical information about the one that kids find themselves experiencing at the moment. Says Weisman: "You should never be in a position where you are wondering about something and have no way to find out about it, whether your question is, Why does it hurt? or, What makes the sky blue?"
For Redlener, this level of design as experience is as vital as CHAM's cutting-edge medical facilities. The 106-bed hospital features a pediatric emergency room built from the ground up; a special multidisciplinary center for communication disorders; one of the nation's most advanced centers for the emergency treatment of asthma; a short-stay "day hospital" within the main hospital for children who need chemotherapy, dialysis, or other outpatient treatments; and the latest telemedical technology. A pioneering wireless, paperless order-entry system has replaced the standard chart system. Doctors can enter prescriptions directly into the system and access all available lab data on customized rolling kiosks placed on each patient floor. Almost every patient room is a single-bed private space with a sleek bathroom, a comfortable pullout sofa, a phone, and a laptop connection for families.
That's what the hospital has. To see how the hospital works, just stand in the lobby for a few minutes. One bright January day, Brandon, 13, stood mesmerized before the lobby's glass Ecosphere globe, a self-contained life system that needs no food, water, or cleaning to survive. Ask him to name his favorite part of the hospital, and he gives a breathless list: "The Ecosphere, the moving circles in the fifth-floor lobby, the pendulum ..." Ask his mother the same question, and she says, "Brandon has been coming to Montefiore since he was an infant. Today, I told him that we were going across the street to the new children's hospital, and he said, 'But mom, I'm not a child.' Then he walked in, saw the computer and the displays, and he said, 'Okay, I'll be a child.' "
Polly LaBarre (plabarre@fastcompany.com) is a Fast Company senior editor. Contact Irwin Redlener by email (iredlener@montefiore.org). Find out more about the Children's Hospital at Montefiore (www.montefiore.org) or the Children's Health Fund (www.childrenshealthfund.org) on the Web.
Sidebar: A Gigabit at the Bedside
When Jeb Weisman set out to build an interactive virtual portal as part of the Carl Sagan Discovery Program at the Children's Hospital at Montefiore, he didn't start with technology. Instead, the anthropologist, archaeologist, college professor, and software designer turned to Sagan. "His life was about asking questions and drilling down to that 'aha' moment," says Weisman. "I wanted to find a way for even the most severely ill children to tap into that power."
The product of that mission is a stunning bundle of technology, including smart cards, 42-inch flat-panel plasma displays, and bedside Gigabit Ethernet. It's also an extraordinary access point into a world of learning and play called the Explorer Network. Weisman built the system in 18 months for less than $3 million. His experience suggests three critical lessons.
Make It Personal: Customization and feedback are built into every aspect of the portal. When you log in at any of the hospital's 120 stations, your age and preferences dictate the content. Parents can restrict their child's access to information about his illness or to certain video games. The smart card used for log-in lets patients bookmark their work. Whether they come back in 15 minutes or 15 weeks, the system remembers where they were. "It's about the patient's ability to control his environment," says Weisman.
Build to Innovate: Weisman chose to build the Explorer Network on an open-source platform -- not only because it was free, but also because the network is now instantly adaptable and extendable. Most important, the open-source architecture is flexible enough to invite continuous innovation. Weisman's next move is to extend access to the 30-plus health centers in the Montefiore network and, ultimately, to kids' schools and homes.
Remember: Performance Is Everything: In addition to setting up a responsive help desk, Weisman has developed an Explainer Program to ensure smooth functioning of the system -- a top priority. When a 12-year-old cancer patient called Weisman's help line in distress about the malfunctioning of her smart-card reader, he had a stark realization: "You can't get it wrong with these kids. You just can't."
Dr. Irwin Redlener has spent his career devising solutions to large-scale problems of health care for disenfranchised children. The latest expression of his single-minded agenda combines excellence in pediatric care with cutting-edge design, the latest technology, and the worldview of Carl Sagan.
From: Issue 58 | April 2002 | Page 64 | By: Polly LaBarre | Photographs By: Daniela Stallinger
Who: The Children's Hospital at Montefiore
Home Base: The Bronx, New York
Year Founded: 2001
The first thing you see when you walk into the Children's Hospital at Montefiore is a glowing glass mural of the Milky Way. The swirl of cosmic blues and purples envelops a white-hot center marked with a tiny red dot. It reads, "You are here."
It's a reminder that "here" is not just a busy hilltop in the northwest corner of the Bronx. Nor is "here" merely one of the most technologically advanced children's hospitals in the world. "Here" happens to be in the middle of a scaled-down model of the solar system crafted out of lustrous materials and graceful curves. "Here" also serves as both an entry into the hospital and an entry into the hospital's unique mission: to take children on a journey to health, discovery, and possibility.
Every inch of the hospital -- an impressive $123 million addition to the sprawling Montefiore Medical Center that serves southern Westchester County and the Bronx -- is loaded with information and inspiration about the universe, from the microscopic functions of life to the outer reaches of space. The inspiration for the science theme is the cosmic worldview of the late Carl Sagan, astronomer, author, and scientific philosopher. The exhibit-quality artistry and meticulous layers of detail are the contribution of David Rockwell, whose firm, Rockwell Group, is best known for creating theatrical extravaganzas, smart restaurants, and ultrahip hotels. The effect is part high-tech classroom, part cutting-edge science museum, part futuristic playground. Combined, it is a powerful statement of what a children's hospital needs to be.
And not just any children's hospital, but one set in the Bronx, home to 450,000 children, some of whom are the most medically underserved and at risk in the nation. It's the latest manifestation of Dr. Irwin Redlener's single-minded agenda: to establish a "medical home" for every child who lacks continuous access to high-quality, comprehensive health care and, in the process, to rethink the nature of hospitals, the role of doctors, and the standard approach to pediatric health care. "For me, it's never been just a question of providing health services to children in need," says Redlener. "It's about using health care as a lever to address the global needs of the most disadvantaged kids. For these children, health care is a foot in the door to the future. If we give them a shot at being happy and healthy while they're young, we give them the opportunity to realize their potential as adults."
Redlener, 57, is a pediatrician -- but he has never been just a doctor. For more than 30 years, while helping sick kids get better, he has also worked as a forceful advocate and creative problem solver on behalf of the world's most disenfranchised children and families. From his early days as medical director of a health center run by Volunteers in Service to America (VISTA) in rural east Arkansas, Redlener went on to develop innovative programs for the management and prevention of child abuse and to lead relief efforts in places such as Ethiopia, Guatemala, and Sudan. As medical director of USA for Africa and Hands Across America, Redlener forged a friendship with music legend Paul Simon and later built a partnership to tackle the monumental challenge of quality health care for homeless children in New York City. Launched out of a van outside a welfare hotel, the Children's Health Fund is now the largest health-care system for homeless children in the nation, with a network of 16 innovative urban and rural programs.
A combination of kindly family doctor, political animal, and aggressive entrepreneur, Redlener describes himself as an "impatient entrepreneur." The title reflects his abiding awareness that, despite his 30 years spent facing down children's health-care issues, nearly 20% of the nation's children still live in poverty, nearly 11 million children lack health insurance, and almost 10 million more are without reasonable access to quality health care. Redlener knows that the only way to move the needle on numbers like that is to reframe the issue. The question isn't just, How do you create an accessible health-care system? The deeper question is, How do you unlock the future for millions of kids with no sense of hope?
Which is why the galaxy is in the lobby at the Children's Hospital at Montefiore. In 1997, the president of Montefiore Medical Center, Dr. Spencer Foreman, raised $20 million in startup grants from Montefiore trustees Martin Davis and Lionel Pincus. Then he tapped Redlener to take a leadership role in the children's hospital. Redlener seized the opportunity.
His dream for the hospital included three nonnegotiable mind flips about health care and the institutions that provide it. First, this facility couldn't just be a hospital -- it had to be the hub of a comprehensive children's health system throughout the Bronx. "The problem with most children's hospitals," says Redlener, "is that they are passive. They are high quality. They are filled with the best doctors. But their function is to wait until kids get sick and get referred in. I wanted to establish a much more dynamic relationship between a children's hospital and the community." Second, there could be no financial barriers to service. The hospital had to be fully free and open to every child in the Bronx, regardless of ability to pay. Third, Redlener wanted to incorporate "an agenda beyond healing that would be appropriate, unique, and perhaps even life changing for this patient population."
The result: the Children's Hospital at Montefiore (CHAM), a new state-of-the-art medical facility staffed by the renowned faculty of the Albert Einstein College of Medicine. The stunning new hospital, which opened its doors late last October, is linked to a network of more than 30 community-based health facilities, including the largest school-based health program in the country, a cutting-edge neonatal intensive-care unit, the city's leading child-protection program, and a fleet of mobile medical units. Most remarkable, elaborate design artistry, inventive technology tools, and Carl Sagan's cosmic worldview have fused there into an engaging discovery zone.
"We wanted to recast the idea of what could be achieved in a children's hospital," Redlener says. "We decided to change the expectation of what happens during treatment and recovery. Our mission was to provide excellent health care and a total environment that ignites the imagination of children. Hospitals are about healing. This one is about changing lives."
"Dreams are Maps": Asking Courageous Questions
There is a VISTA recruitment poster on the wall in Redlener's office at the Children's Health Fund (CHF) headquarters on Manhattan's Upper East Side. It features a haunting black-and-white photograph of a young man with his back to the camera. He is carrying a doctor's bag, walking along a set of deserted railroad tracks in a rural area. It's a meditative image, punctuated by a phone number and a call to arms: "Sign up for a year of tough practice in the other America."
Redlener saw that poster 31 years ago in the dining room of the children's hospital in Denver where he was training to become a pediatrician. He called the number. Four months later, he left for the Arkansas Delta. It was 1971, and he was 26 years old. He never looked back. Since then, Redlener has spent his entire career as a forceful advocate for the most vulnerable children and families. But nothing prepared him for the day in 1986 when he took Paul Simon on a tour of "the invisible New York City."
Fresh from their efforts on We Are the World and USA for Africa, Redlener and Simon wanted to do something about hunger and homelessness in the United States. They visited a series of nurseries for crack babies and other special programs for sick, homeless children in New York. Then they stepped inside the Martinique Welfare Hotel, a once-glorious midtown hotel that had crumbled into a monstrous, squalid building used as a warehouse shelter for homeless families. "There were a thousand children and their parents in that building," Redlener remembers. "It was total chaos. The elevators were broken, there were drug deals going on, and there were about 80 kids waiting outside the dining room for the one meal they'd get that day. Even though I had already been very immersed in the problems of underserved children, I was stunned. And Paul Simon was absolutely speechless. The question after the visit was, What can we do?"
The answer: Create a pediatric clinic on wheels to bring high-quality, continuous medical care to children in the shelter system and on the streets. Simon and Redlener recruited Redlener's wife, Karen -- a health administrator he had met as a VISTA volunteer -- to design the program. The team launched CHF in 1987 with a single mobile unit that Simon paid for. Today in New York, there are five bright-blue, 35-foot vans that function as fully equipped clinics, complete with waiting areas, nurses' stations, the latest computers, two exam rooms, and sophisticated diagnostic equipment. For the most disadvantaged communities, the vans represent a stable source of services. And CHF has expanded into 16 other rural and urban programs that address the problem of access to health care for extremely disadvantaged children. During the past 15 years, CHF has served 300,000 kids in 750,000 encounters across the country. Redlener and his team raise between $6 million and $7 million a year for the fund.
And yet, as successful as the mobile units are, Redlener never saw them as the answer to children's health care. "Children really deserve to be in neighborhood-based, fixed-place primary health-care environments," he says. "The mobile units are really a stopgap measure."
Redlener's real dream is on display on the sixth floor of the adolescent inpatient unit at CHAM. Take the elevator up, and the doors open to a beautiful tile mosaic of the night sky over the Bronx. A young person in silhouette sits in the corner, gazing up at the city lights sparkling like constellations. Just below, the words of Carl Sagan offer a gentle push: "Dreams are maps. We make the world significant by the courage of our questions and the depth of our answers."
Sagan, a longtime friend of the Redleners who died in 1996, provided both the challenge and the beginning of a response. While in the process of drafting his dream brief for CHAM, Redlener called Sagan's widow, Ann Druyan, to discuss the idea of memorializing Sagan. Was there a way to build on Sagan's sense of science to create a hospital that was as much about discovery as about recovery? The two then called on another mutual friend, then-vice president Al Gore. Gore put together a group of top-flight scientists and thinkers -- Stephen Jay Gould, Harvard professor and author; Daniel S. Goldin, former administrator of NASA; and Neil Tyson, director of the Hayden Planetarium -- for months of White House brainstorming.
Sagan's own ideas about using science and discovery to unlock the future for children became Redlener's map. "He believed that the process of finding out where you fit into the universe and the inspiration that comes from learning something about your world can be a gateway to a whole set of possibilities for children who have otherwise been contained in a very limited worldview," Redlener says. Transforming that cosmic blueprint into a meaningful experience required another set of unlikely collaborators.
"We Are Star Stuff": Making Important Connections
Redlener had his map. Now he needed an architect to help him turn it into working drawings. He turned to David Rockwell and his team at Rockwell Group. The firm's lavish spectacles, such as Cirque du Soleil's headquarters in Orlando and sets for theatrical productions of The Rocky Horror Show Live and Hairspray, seem a world away from the serious business of designing a hospital for sick children. But Rockwell and Redlener share a commitment to creating layered experiences that unfold and capture visitors' imaginations in diverse ways.
"For us, every project begins with reimagining everything about a space," says Rockwell. "The more time we spend tilting at windmills and pushing at dreams before we get to form or color or texture, the more profound the effect. The best projects, like Montefiore, start with pure ideas rather than ideas about design."
Redlener presented Rockwell with two animating ideas. The first was Sagan's principle, which stressed the interconnectedness of the universe and the joys of learning. The second was a radical change in perspective about medical services: "family-centered care." Family-centered care shifts nearly every dimension of traditional health-care facilities. It calls on hospitals to go from being doctorcentric, information-scarce, intimidating institutions to being places that focus on responding to the needs and comfort of families, sharing information, and enlisting parents as partners in their children's health care.
In the hands of Rockwell Group, these ideas became an organizing theme: "Children are explorers on a journey to health." The idea was to uncover "all of those moments in your experience as a child in a hospital that are terrifying, dehumanizing, and lacking in information and to use those as interventions to provide information, insight, and a sense of wonder and delight," says Rockwell.
To that end, Rockwell Group wove the Carl Sagan Discovery Program into the hospital's design at every level. Each of the hospital's seven patient floors has a unique theme and design palette. The elevator lobby on each floor is an entry into a richly conceived corner of the cosmos. Step off the elevator on the third-floor unit for ambulatory and outpatient procedures, and Sagan's idea that "we are star stuff" connected by our common origin in the Big Bang is rendered in a colorful etched-glass mural of sea worms, snowflakes, and stars. Travel to the fifth-floor unit dedicated to subspecialties involving illnesses of perception (craniofacial disorders, speech, and sight conditions), and you're in an interactive playground dedicated to exploring nonvisual senses.
The hospital's design doesn't just convey information about the universe and science; it also embodies the process of discovery. Layers of detail unfold with each encounter. In each inpatient room, the window shades are custom-designed murals depicting the Bronx in different time periods. One room has a shade that features the Bronx as farmland in the 19th century; another offers a view of the Bronx when dinosaurs roamed the earth. Patient rooms don't have numbers; they feature constellations, animals, or water creatures, depending on the floor's theme. A teenager might stay in the Big Dipper room, while an infant might stay in the Bumblebee room. And scattered about the patient floors are dozens of glass-covered niches displaying works of art by young children from around the city. The child-height exhibits encourage kids to create their own drawings, collages, and sculptures in the fully supplied lounges on each floor. It's an invitation to explore.
But what about the sick children who are confined to their beds? Redlener tapped Jeb Weisman, a cultural anthropologist and technology pioneer, to extend the Carl Sagan Discovery Program into an interactive bedside environment. The solution is stunning. Every child, parent, and family member who stays in the hospital gets her own smart card. Swipe the card through a reader at any of 120 locations around the hospital, and you're immediately connected to a customized virtual portal for information, entertainment, and communication. More advanced than any other patient-oriented commercial application on the market, the system can instantly switch from broadband video on demand to Gigabit Ethernet.
The motivation for building the system, says Weisman, was never about technology. It was about adding a new dimension to the hospital encounter -- and raising the stakes. "Wouldn't it be great if you could learn something about poetry, painting, chemistry, space, or oceanography while you were here?" asks Weisman. But even more important than access to new worlds is critical information about the one that kids find themselves experiencing at the moment. Says Weisman: "You should never be in a position where you are wondering about something and have no way to find out about it, whether your question is, Why does it hurt? or, What makes the sky blue?"
For Redlener, this level of design as experience is as vital as CHAM's cutting-edge medical facilities. The 106-bed hospital features a pediatric emergency room built from the ground up; a special multidisciplinary center for communication disorders; one of the nation's most advanced centers for the emergency treatment of asthma; a short-stay "day hospital" within the main hospital for children who need chemotherapy, dialysis, or other outpatient treatments; and the latest telemedical technology. A pioneering wireless, paperless order-entry system has replaced the standard chart system. Doctors can enter prescriptions directly into the system and access all available lab data on customized rolling kiosks placed on each patient floor. Almost every patient room is a single-bed private space with a sleek bathroom, a comfortable pullout sofa, a phone, and a laptop connection for families.
That's what the hospital has. To see how the hospital works, just stand in the lobby for a few minutes. One bright January day, Brandon, 13, stood mesmerized before the lobby's glass Ecosphere globe, a self-contained life system that needs no food, water, or cleaning to survive. Ask him to name his favorite part of the hospital, and he gives a breathless list: "The Ecosphere, the moving circles in the fifth-floor lobby, the pendulum ..." Ask his mother the same question, and she says, "Brandon has been coming to Montefiore since he was an infant. Today, I told him that we were going across the street to the new children's hospital, and he said, 'But mom, I'm not a child.' Then he walked in, saw the computer and the displays, and he said, 'Okay, I'll be a child.' "
Polly LaBarre (plabarre@fastcompany.com) is a Fast Company senior editor. Contact Irwin Redlener by email (iredlener@montefiore.org). Find out more about the Children's Hospital at Montefiore (www.montefiore.org) or the Children's Health Fund (www.childrenshealthfund.org) on the Web.
Sidebar: A Gigabit at the Bedside
When Jeb Weisman set out to build an interactive virtual portal as part of the Carl Sagan Discovery Program at the Children's Hospital at Montefiore, he didn't start with technology. Instead, the anthropologist, archaeologist, college professor, and software designer turned to Sagan. "His life was about asking questions and drilling down to that 'aha' moment," says Weisman. "I wanted to find a way for even the most severely ill children to tap into that power."
The product of that mission is a stunning bundle of technology, including smart cards, 42-inch flat-panel plasma displays, and bedside Gigabit Ethernet. It's also an extraordinary access point into a world of learning and play called the Explorer Network. Weisman built the system in 18 months for less than $3 million. His experience suggests three critical lessons.
Make It Personal: Customization and feedback are built into every aspect of the portal. When you log in at any of the hospital's 120 stations, your age and preferences dictate the content. Parents can restrict their child's access to information about his illness or to certain video games. The smart card used for log-in lets patients bookmark their work. Whether they come back in 15 minutes or 15 weeks, the system remembers where they were. "It's about the patient's ability to control his environment," says Weisman.
Build to Innovate: Weisman chose to build the Explorer Network on an open-source platform -- not only because it was free, but also because the network is now instantly adaptable and extendable. Most important, the open-source architecture is flexible enough to invite continuous innovation. Weisman's next move is to extend access to the 30-plus health centers in the Montefiore network and, ultimately, to kids' schools and homes.
Remember: Performance Is Everything: In addition to setting up a responsive help desk, Weisman has developed an Explainer Program to ensure smooth functioning of the system -- a top priority. When a 12-year-old cancer patient called Weisman's help line in distress about the malfunctioning of her smart-card reader, he had a stark realization: "You can't get it wrong with these kids. You just can't."
Wednesday, April 18, 2007
Proyecciones sobre edificios-GRAFFITTI
http://ni9e.com/graffiti_analysis.html
En este proyecto, el artista pudo documentar los movimientos del grafittero y proyecta eso en grande en los edificios--virtualmente. Lo que parece es casi un tipo de caligrafía.
Aquí se mezcla la tecnología con el movimiento corporal con el graffiti. Excelente.
En este proyecto, el artista pudo documentar los movimientos del grafittero y proyecta eso en grande en los edificios--virtualmente. Lo que parece es casi un tipo de caligrafía.
Aquí se mezcla la tecnología con el movimiento corporal con el graffiti. Excelente.
Primero, el blog se llama ETP2102007...y, ademas
pues no se permiten los "underscore"...
Segundo,
chekeen...
http://www.wired.com/science/discoveries/news/2007/04/quantum/
En las próximas clases vamos a hablar de la física quántica y que tiene que decirle a la transdisciplina artística...
Ya casi el futuro distópico está aquí...
Segundo,
chekeen...
http://www.wired.com/science/discoveries/news/2007/04/quantum/
En las próximas clases vamos a hablar de la física quántica y que tiene que decirle a la transdisciplina artística...
Ya casi el futuro distópico está aquí...
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